Laetitia Lor défend la peinture ; parce que c’est ce qu’elle fait de mieux et parce qu’ «il s’agit de témoigner d’une génération de peintres et d’une manière de penser la peinture qui n’est guère dépassée. Dans ce sens le structuralisme, la phénoménologie de Merleau Ponty, la sémiologie, sont les outils d’une époque qui disent l’époque mais aussi qui restent nos soubassements théoriques, nos traces d’hier pour une nouvelle approche d’aujourd’hui… » comme explique
James Guitet dans son ouvrage Peindre. Sa pratique intègre la théorie des couleurs de Kandinsky, avec ce concept de nécessité intérieure et s’inspire de Soulages pour son rapport à l’abstraction. L’art qu’elle pratique en Afrique du Sud et qui « sortait comme ça », avec des couleurs toujours reliées à ses émotions, à l’expérience personnelle d’une vie, elle le produit par instinct et dans l’instant. Résines, peintures automobiles et autres peintures métalliques, travaillées avec son masque devenu signature, lui offrent un spectacle magistral après séchage, lorsque les textures se figent, lorsqu’elle parvient à fixer les détails souhaités avec ses matér-
iaux. Son processus requiert observation, contrôle et lui demande un va-et-vient permanent ; l’artiste apprivoise son œuvre et sait comment la matière réagit. Ce doux duel, ce rapport à l’alchimie, souvent mentionné durant cette dernière décennie, lui permet de vivre pleinement son art, dans un heureux mariage de produits divers (nocifs parfois), pour finalement se diriger vers l’épuration. Elle sort peu à peu de sa peinture automatique (après l’écriture de son mémoire) pour laisser place au temps de la peinture analytique mais aussi pour prendre le temps tout simplement ; de savoir quoi peindre, quoi utiliser, de repenser ses supports, ses outils. L’alchimiste réduit sa liste d’ingrédients et se distance de la peinture à effet. Sa palette est volontairement diminuée. Ses couleurs sont diluées à l’eau et matérialisent l’effacement. Les produits chimiques n’interviennent plus que comme un témoin du travail passé, au travers de
certaines traces texturées. Toutefois, Laetitia sait conserver ses origines (artistiques et cul-
turelles) partout ; savoir d’où l’on vient pour ne jamais vraiment se perdre. Ses anciennes
accumulations de couches, ses coulures projetées, contrôlées et corrigées, sont remplacées par des dissolutions de ces mêmes couches ; ici la patience et le recul font loi.
Il aura également fallu prendre le temps de savoir que le résultat est devenu plus dur à atteindre, avec l’amalgamation de ses passions, de tant d’envies d’expression, juxtaposées à ses besoins d’espace. Même ses supports elle les remet en question. La toile n’a pas toujours su être à la hauteur de ses voyages picturaux ; apparait dès lors le métal – comme dans les sculptures de Carl Andre – et surtout le fer blanc, devenu intimement lié à ses nouvelles compositions organiques. Le fer blanc, celui qui héberge la lumière, prend une place intégrale dans l’œuvre de l’artiste, là où le support se découvre en même temps que le travail proposé.

Sa peinture à fleur de peau laisse parler cette force extérieure dont nul ne connaît jamais vraiment la provenance. Parfois jetée, parfois déposée sur son support avec délicatesse, la peinture de Laetitia lui ressemble ; dans l’ambiguïté assumée de toute femme, de tout être, qui vit avec le jour, la nuit, les saisons ; changeante, parce qu’elle sait que rien ne peut être statique, mais que tout finit bien par trouver son équilibre ultime. Elle se joue de ses contradictions ; elle peint au féminin mais utilise des matériaux non issus du domaine des beaux-arts. Dans cet atelier du centre de l’ile, on aperçoit des outils qui proviennent du monde de la construction, du bâtiment ou encore de l’artisanat.

Basée sur la mémoire, l’émotion, la réactivation des souvenirs d’enfance, son œuvre obéit à une logique subjective. Cette théorie est devenue essentielle à la lecture de ses compositions actuelles. Sa peinture est manifestement féminine et féministe et s’axe sur la femme et la mère. On y décèle un travail entre art appliqué et beaux-arts, comme chez Sophie Taeuber-Arp. Il
y a aussi, évidemment, pour ceux qui s’attardent, cet immanquable lien à Louise Bourgeois et à son concept de la « femme maison ». Entrevoir dans cette relation entre l’architecture et la femme – représentée comme obscurcie, emprisonnée par le foyer et en même temps le concept de cette «femme-maison », qui soutient et protège le foyer – la base intrinsèquement mêlée à la pratique de Laetitia Lor.

Il y a une sorte d’urbanisme présent partout dans ses nouvelles productions. Bien que régulier depuis ses débuts – il existait des formes structurées dans ses anciennes toiles – il apparaît aujourd’hui comme un aller-retour entre les paysages épurés qui se fondent et s’entremêlent aux structures urbaines. Il s’associe à des endroits de son enfance, ou à ceux qui expriment sa maison intérieure, l’ultime maison de l’être humain. Les lignes d’horizon quant à elles, nous renvoient aux montagnes et collines, celles de sa campagne française et celles qui se devinent
dans son quotidien insulaire.